NO.28│藝術之外 有更大的海洋 │拾光漂浮 莊志維的獨特島嶼
經過淡水海關碼頭的遊客，
很難不被紅磚色的光環與暗夜中熠熠發亮的雷射所吸引。
這是莊志維的光裝置，他期待看到的人能夠告訴自己：
今天好像有一點小小的不ㄧ樣，
因為走在回家的路上，
我看到了一個特別的東西。
莊志維
1986年生，畢業於臺北藝術大學新媒體藝術研究所和交通大學建築所，創作曾多次獲台新藝術獎提名，2013高雄獎、2015年臺北美術獎，於同年入選臺北數位藝術獎、2016文化部 Made In Taiwan ─新人推薦特區，並受邀參加韓國平昌雙年展及 Mercedes-Benz AVANT/GARDE DIARIES 前衛藝術展。有著藝術與建築背景的莊志維，擅長運用光和空間創造互動裝置，探討人與環境之間的相互關係，至今於創作歷程中仍不斷追尋跨領域間的揉合，呈現理性與感性並存的藝術美學。2014年獲選至東京Tokyo Wonder Site創作駐村。目前為臺北藝術大學新媒 體藝術系兼任講師。
藝術沒有區分
當代藝術往往給群眾一個印象，那是一個複雜的專業，有著難以跨越的藩籬，莊志維想像的藝術卻沒有這樣的界線：「我覺得大家都在分建築、藝術與設計，但對我來說沒有區分。以前在實踐讀書時，不同專業的人會互相交流，給我一個很大的啟示─也許每個人各有自己的技術，但是核心觀念是一樣的：那就是有一個想要告訴觀眾的想法。」
這或許源自莊志維一開始就不是先知道藝術，然後從事藝術。「我小時候喜歡畫畫，但也沒有當成可以發展的事情。高中處在升學環境中，有一次，一位美術老師看我平常喜歡畫東畫西，詢問我要不要加入美術社。」莊志維當時拒絕了，因為那跟他想像中的美術不一樣，他不想坐在教室裡面畫石膏像。第二天，這位老師鍥而不捨，又給了莊志維一個美展的簡章，結果莊志維─一個不具美術背景的人居然選上了。高三時，老師於是鼓勵他報考藝術科系。「但是我並不知道我自己在做什麼，直到老師告訴我，我才知道那是設計。」
但為何從畫畫、設計這些平面的媒材，一腳踏入裝置與多媒體？「其實在念書的時候，我有機會接觸到互動裝置、錄像，我就發覺我太愛了。」莊志維高興地說他喜歡動手去摸物件，當他碰到一個材質，就可以想像他能夠做出一個東西。「有時候我覺得我的大腦長在我的手指頭上。」就在他逐漸走向科技藝術，進入北藝大科技所（後改名：新媒體藝術研究所），莊志維又開始轉向了，他在北藝念了一半，忽然去交大念建築。「那是最痛苦的一段時間，因為北藝跟交大完全是不同的氛圍，一套需要直接且理性的處理方式，一套需要感性且抽象的思維。」在往返兩所學校時，莊志維就好像超人進入一個電話亭。
每個人就是一座島嶼
當時的莊志維不確定自己在藝術世界中的位置，超人可以飛在天上，但是降落之後，卻要面臨地上的疆界。直到辦了第一個個展。「我先是到日本駐村，看到東京的外海，那種漂浮的狀態，我發現那就像我一樣。層層疊疊，沒有一個確定的狀態，一切都是漂浮的。」莊志維說：「我感覺那就是我想做的。」在日本，莊志維也碰到一群生物藝術的創作者，他的形容有些好笑。「一開始覺得很害怕，不知道這些人在幹什麼，像是搞幫派一樣。但是當我走進了他們的空間，我發現這是我想做的東西。裡面充滿了電路板、植物與細菌培養皿。
對莊志維而言，打中他的點並不是生物藝術，而是他們背後的邏輯，以及由此擴散出來的藝術可能。「他們怎麼會這個加這個，那個腦袋運作的過程是我所想要瞭解的部分。」後來莊志維跟這些人成為好朋友，甚至成為了「群島archipiélago」這個藝術團體，裡面有不同媒材的人，一起討論藝術的可能。「我覺得每個人都是一個獨特的島嶼。」
如果島嶼是漂浮的意象，大陸給予人的就是一種固定的狀態，讓身在其中的人覺得這就是全部的世界，在藝術上，這就是作品展出和被人看見的系統，許多從事藝術的人，不知不覺之中，談論的都是美術館與藝廊。莊志維想要改變這個現狀。
「我認為藝術應該有更多向外發展的可能性。」但是要走出既有的方法，就必須有另外的發展道路。於是莊志維與朋友開始了培養皿計畫。「因為我看到很多年輕的藝術家，很辛苦地摸索藝術的道路，我自己當初也是這樣，所以我想要有一個群體，大家把各自的資源丟出來，或許可以在原來的方法之外，有不一樣的藝術升遷管道。」就像住在島嶼上的人，有一天發現自己可以航向未知的海洋。
公車站牌旁邊的光道
於是觀眾可以進一步理解為什麼海關碼頭會出現那樣的光環。一方面，莊志維不覺得藝術就是與其他領域涇渭分明。「我做的其實是幫每個人解決某個問題，或是試圖擾動既有狀態。像是淡水海關碼頭燈海節也許是想要改變那地方的氛圍，我就會思考，要用什麼方法去解決。」莊志維引入了都市規劃的思考，最後決定必須放在草地上，形成一個夜晚的光道。
「我希望大家在等公車的時候，能夠注意到這裡，感覺好像有什麼不一樣。說來也許沒有多了不起，但對我而言，藝術如果能改變人在生活之中的小小瞬間，我覺得就足夠了。」另一個理解「洋流」的角度，是企圖走出室內展出空間。雖然臺灣這幾年來也有環境藝術的創作，但或許受限於市場，創作者還是以可以販售的物件為創作的主要方向。但是莊志維說：「作品的形式不應該只局限在物件，然後擺在博覽會賣。」
那為什麼會選用光做為媒材？莊志維對這個問題有些無奈，他抗議：「每個人都會問我這個問題，卻很少人問畫家為什麼要拿畫筆。光就是我的畫筆，整個空間就是我的畫布。」另一方面，「也許我的作品跟療癒有關係，而光可以達到這個效果，因為光很生物本能，能夠直接帶給人一種力量。」問到會不會擔心民眾被眩惑或是看不懂光裝置這種新媒材。莊志維說：「我在創作中以一個三角形思考，在概念中分層，大眾理解的也許是三角形的底部，然後上面也許有我更想多談的資訊，每個人讀到的，或許都是不同的層次，但總環繞著一個主題走。」
我想說話
創作對於莊志維而言，最終只是說出一個想法。「我想講話，但是文字綁住了很多，我只能透過創作、裝置來談。這時候的話語，像是一個複雜的團塊，並不是直接講，而是用圍繞的方式，重點在這片範圍是什麼，而非直接講哪個點是什麼。」
而最讓他開心的，是當這些「話語」淡水海關碼頭戶外場域展出的《森林裡的洋流》作品，兩個圓形裝置藝術點綴出紅磚色光暈。有了回應。「有時觀眾的一句話，反而給了我一些東西，讓我跨過那些卡在心裡很久的部分。所以我很喜歡民眾給我回饋，就像跟人聊天時，如果有一個人懂了，回了一句話，那會讓你很高興。」用瑞蒙‧卡佛（Raymond Carver）的話來說，這就是「一件很小、很美的事。」
採訪後記
採訪的那一天，天氣難得放晴，雖然氣溫還是偏低，不過視覺上感到溫暖。我知道莊志維有些打結的一面，沒有辦法完全在採訪中傳達，譬如他說他常常坐在工作室的門口，望著眼前一片黑漆漆的樹林。但同時我知道這與他作品中的光亮本來就是一體，我們心中都有大大小小的黑洞，而創作就像是指陳這些陰暗的所在，我們或許會受到震驚，但是同時也被療癒。
文字、攝影／汪正翔 圖片提供／均勻製作、莊志維
很難不被紅磚色的光環與暗夜中熠熠發亮的雷射所吸引。
這是莊志維的光裝置，他期待看到的人能夠告訴自己：
今天好像有一點小小的不ㄧ樣，
因為走在回家的路上，
我看到了一個特別的東西。
1986年生，畢業於臺北藝術大學新媒體藝術研究所和交通大學建築所，創作曾多次獲台新藝術獎提名，2013高雄獎、2015年臺北美術獎，於同年入選臺北數位藝術獎、2016文化部 Made In Taiwan ─新人推薦特區，並受邀參加韓國平昌雙年展及 Mercedes-Benz AVANT/GARDE DIARIES 前衛藝術展。有著藝術與建築背景的莊志維，擅長運用光和空間創造互動裝置，探討人與環境之間的相互關係，至今於創作歷程中仍不斷追尋跨領域間的揉合，呈現理性與感性並存的藝術美學。2014年獲選至東京Tokyo Wonder Site創作駐村。目前為臺北藝術大學新媒 體藝術系兼任講師。
藝術沒有區分
當代藝術往往給群眾一個印象，那是一個複雜的專業，有著難以跨越的藩籬，莊志維想像的藝術卻沒有這樣的界線：「我覺得大家都在分建築、藝術與設計，但對我來說沒有區分。以前在實踐讀書時，不同專業的人會互相交流，給我一個很大的啟示─也許每個人各有自己的技術，但是核心觀念是一樣的：那就是有一個想要告訴觀眾的想法。」
這或許源自莊志維一開始就不是先知道藝術，然後從事藝術。「我小時候喜歡畫畫，但也沒有當成可以發展的事情。高中處在升學環境中，有一次，一位美術老師看我平常喜歡畫東畫西，詢問我要不要加入美術社。」莊志維當時拒絕了，因為那跟他想像中的美術不一樣，他不想坐在教室裡面畫石膏像。第二天，這位老師鍥而不捨，又給了莊志維一個美展的簡章，結果莊志維─一個不具美術背景的人居然選上了。高三時，老師於是鼓勵他報考藝術科系。「但是我並不知道我自己在做什麼，直到老師告訴我，我才知道那是設計。」
但為何從畫畫、設計這些平面的媒材，一腳踏入裝置與多媒體？「其實在念書的時候，我有機會接觸到互動裝置、錄像，我就發覺我太愛了。」莊志維高興地說他喜歡動手去摸物件，當他碰到一個材質，就可以想像他能夠做出一個東西。「有時候我覺得我的大腦長在我的手指頭上。」就在他逐漸走向科技藝術，進入北藝大科技所（後改名：新媒體藝術研究所），莊志維又開始轉向了，他在北藝念了一半，忽然去交大念建築。「那是最痛苦的一段時間，因為北藝跟交大完全是不同的氛圍，一套需要直接且理性的處理方式，一套需要感性且抽象的思維。」在往返兩所學校時，莊志維就好像超人進入一個電話亭。
每個人就是一座島嶼
當時的莊志維不確定自己在藝術世界中的位置，超人可以飛在天上，但是降落之後，卻要面臨地上的疆界。直到辦了第一個個展。「我先是到日本駐村，看到東京的外海，那種漂浮的狀態，我發現那就像我一樣。層層疊疊，沒有一個確定的狀態，一切都是漂浮的。」莊志維說：「我感覺那就是我想做的。」在日本，莊志維也碰到一群生物藝術的創作者，他的形容有些好笑。「一開始覺得很害怕，不知道這些人在幹什麼，像是搞幫派一樣。但是當我走進了他們的空間，我發現這是我想做的東西。裡面充滿了電路板、植物與細菌培養皿。
對莊志維而言，打中他的點並不是生物藝術，而是他們背後的邏輯，以及由此擴散出來的藝術可能。「他們怎麼會這個加這個，那個腦袋運作的過程是我所想要瞭解的部分。」後來莊志維跟這些人成為好朋友，甚至成為了「群島archipiélago」這個藝術團體，裡面有不同媒材的人，一起討論藝術的可能。「我覺得每個人都是一個獨特的島嶼。」
如果島嶼是漂浮的意象，大陸給予人的就是一種固定的狀態，讓身在其中的人覺得這就是全部的世界，在藝術上，這就是作品展出和被人看見的系統，許多從事藝術的人，不知不覺之中，談論的都是美術館與藝廊。莊志維想要改變這個現狀。
「我認為藝術應該有更多向外發展的可能性。」但是要走出既有的方法，就必須有另外的發展道路。於是莊志維與朋友開始了培養皿計畫。「因為我看到很多年輕的藝術家，很辛苦地摸索藝術的道路，我自己當初也是這樣，所以我想要有一個群體，大家把各自的資源丟出來，或許可以在原來的方法之外，有不一樣的藝術升遷管道。」就像住在島嶼上的人，有一天發現自己可以航向未知的海洋。
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| 綠色雷射光束交織在倉庫建築外，讓天際形成一片光網。 |
公車站牌旁邊的光道
於是觀眾可以進一步理解為什麼海關碼頭會出現那樣的光環。一方面，莊志維不覺得藝術就是與其他領域涇渭分明。「我做的其實是幫每個人解決某個問題，或是試圖擾動既有狀態。像是淡水海關碼頭燈海節也許是想要改變那地方的氛圍，我就會思考，要用什麼方法去解決。」莊志維引入了都市規劃的思考，最後決定必須放在草地上，形成一個夜晚的光道。
「我希望大家在等公車的時候，能夠注意到這裡，感覺好像有什麼不一樣。說來也許沒有多了不起，但對我而言，藝術如果能改變人在生活之中的小小瞬間，我覺得就足夠了。」另一個理解「洋流」的角度，是企圖走出室內展出空間。雖然臺灣這幾年來也有環境藝術的創作，但或許受限於市場，創作者還是以可以販售的物件為創作的主要方向。但是莊志維說：「作品的形式不應該只局限在物件，然後擺在博覽會賣。」
那為什麼會選用光做為媒材？莊志維對這個問題有些無奈，他抗議：「每個人都會問我這個問題，卻很少人問畫家為什麼要拿畫筆。光就是我的畫筆，整個空間就是我的畫布。」另一方面，「也許我的作品跟療癒有關係，而光可以達到這個效果，因為光很生物本能，能夠直接帶給人一種力量。」問到會不會擔心民眾被眩惑或是看不懂光裝置這種新媒材。莊志維說：「我在創作中以一個三角形思考，在概念中分層，大眾理解的也許是三角形的底部，然後上面也許有我更想多談的資訊，每個人讀到的，或許都是不同的層次，但總環繞著一個主題走。」
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| 淡水海關碼頭戶外場域展出的《森林裡的洋流》作品，兩個圓形裝置藝術點綴出紅磚色光暈。 |
我想說話
創作對於莊志維而言，最終只是說出一個想法。「我想講話，但是文字綁住了很多，我只能透過創作、裝置來談。這時候的話語，像是一個複雜的團塊，並不是直接講，而是用圍繞的方式，重點在這片範圍是什麼，而非直接講哪個點是什麼。」
而最讓他開心的，是當這些「話語」淡水海關碼頭戶外場域展出的《森林裡的洋流》作品，兩個圓形裝置藝術點綴出紅磚色光暈。有了回應。「有時觀眾的一句話，反而給了我一些東西，讓我跨過那些卡在心裡很久的部分。所以我很喜歡民眾給我回饋，就像跟人聊天時，如果有一個人懂了，回了一句話，那會讓你很高興。」用瑞蒙‧卡佛（Raymond Carver）的話來說，這就是「一件很小、很美的事。」
採訪後記
採訪的那一天，天氣難得放晴，雖然氣溫還是偏低，不過視覺上感到溫暖。我知道莊志維有些打結的一面，沒有辦法完全在採訪中傳達，譬如他說他常常坐在工作室的門口，望著眼前一片黑漆漆的樹林。但同時我知道這與他作品中的光亮本來就是一體，我們心中都有大大小小的黑洞，而創作就像是指陳這些陰暗的所在，我們或許會受到震驚，但是同時也被療癒。
文字、攝影／汪正翔 圖片提供／均勻製作、莊志維
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